De familia liberal, era hijo de
Clovis Gauguin, un periodista
antimonárquico, y de Aline Marie Chazal. Cuando Paul contaba sólo con un año, la
familia tuvo que huir a América
tras el golpe de
Estado de Napoleón
III en 1851. Durante el viaje su padre
murió y su madre tuvo que recurrir a la hospitalidad de sus parientes en Lima (Perú). En esta ciudad pasó sus primeros años de
infancia.
En 1855 regresan a Francia, a Orleans y se instalan en casa de un tío de Paul,
Isidore. Gauguin estudiará en Orleans entre 1859 y 1865. Se
embarca en la marina
mercante siendo aún muy joven, y luego en la Armada Francesa, en la
que sirve a bordo de la corbeta Jerôme Napoléon.
A su regreso de Francia en 1870, se
convirtió en agente de cambio para la empresa Bertin en la Bolsa de París,
teniendo bastante éxito en sus negocios. Llevó una vida burguesa y acomodada
junto a su mujer, la danesa
Mette-Sophie Gad, y sus cinco hijos: Émile , Aline, Clovis, Jean-René y
Paul-Rollon.
Su tutor, Gustave Arosa, hombre de negocios y gran amante del arte, introdujo
a Gauguin entre los impresionistas. En 1874, conoce la obra del pintor Camille Pissarro y
visita por primera vez una muestra de pintura impresionista. Al igual que su tutor, se aficiona
al arte, lo que le lleva a tomar clases de pintura y a hacer sus primeros
intentos de creación en este terreno. Expone sus obras junto a los
impresionistas en 1876, 1880, 1881, 1882 y 1886
y reúne una colección personal con obra de Manet, Cézanne, Monet y el ya mencionado Pissarro.
Vida del artista en
Francia
En 1882, deja su trabajo en la Bolsa (que
se ha desplomado) para dedicarse por completo a su nueva pasión, la pintura. Como eso no le basta para
sobrevivir, se marcha a vivir con su mujer e hijos con la familia de ésta en Copenhague. Las relaciones con su
familia política no son buenas y sus negocios tampoco van bien. Decide regresar
a París en 1885 para dedicarse
exclusivamente a la pintura, pero incapaz de asegurar la subsistencia de su
familia, abandona a su mujer y a sus hijos en Dinamarca.
Gauguin se traslada a Ruan, en Normandía, en donde se ha
instalado Pissarro, pero en 1887 decide viajar junto a su amigo Charles Laval a Panamá, en la restaurada República de
Colombia.[1]
Gauguin arribó al istmo de Panamá, en abril de 1887, a la isla de Taboga, de
la cual diría en una carta: "está casi deshabitada y es muy fértil. Llevo mis
colores y mis pinceles y me empaparé de ellos lejos de todos los seres humanos".
Después no sería tan elocuente sobre el entorno panameño, como le dice a su
esposa, Mette-Sophie, desde la Ciudad de Panamá, - donde su cuñado colombiano
(esposo de su hermana Marié Gauguin Tristán) le había invitado con promesas de
conseguirle un trabajo estable –.
En la siguiente carta a Mette-Sophie le contará su desventura ocurrida en el
barrio de San Felipe, donde fue tomado preso por la policía, por el delito de
haber orinado en una de sus calles.[2] Durante un tiempo trabajará en la
perforación del canal, como obrero de la Panama
Canal Company, pero el clima y las enfermedades tropicales lo postran muy
pronto. Apenas recuperado de la disentería y el paludismo o fiebre amarilla,
continúa el periplo en la isla Martinica en 1888.
De este viaje al Caribe, que resultaría fundamental para su futuro artístico,
puesto que le mostró la sensualidad del color y lo interesó por una naturaleza
primitiva capaz de acentuar las relaciones humanas, Gauguin regresará a
Europa enfermo y abatido. Allí encuentra la hospitalidad de Theo Van Gogh, quién además
expondrá sus pinturas en su propia galería.
Fatata Te Miti (cerca del mar) 1892, Washington, National
Gallery of Art
Etapa en Bretaña
Pero dejando aparte este viaje, entre 1886 y 1891, vive
principalmente en Bretaña en
donde se convierte en el centro de un grupo de pintores experimentales conocidos
con el nombre de Escuela de Pont-Aven, en donde tuvo como discípulos a Émile Bernard, Paul Sérusier y Maurice Denis que
constituirían el llamado simbolismo (Grupo de los Nabis). Su estilo
de pintura empezará a transformarse desde las cercanías del impresionismo hasta un estilo
mucho más personal.
Por influencia de uno de sus jóvenes discípulos, Émile Bernard, su estilo
evoluciona a lo que se ha dado en llamar sintetismo, un modo de pintar más natural y
sintético. Busca inspiración en el arte indígena, en las vidrieras medievales y en las estampas japonesas.
Estas últimas las descubre gracias al holandésVincent Van Gogh en
1888 en los dos meses en los que viven
juntos (entre octubre y diciembre) en Arlés, en el sur de Francia, dedicándose ambos a pintar. Gauguin había
conocido a Vincent y a Theo Van Gogh en París en 1886, y
Gauguin había quedado impresionado por la expresividad de Vincent. Trabajan
juntos y pintan la serie de vistas de Alyscamps. Pero la convivencia es muy difícil, ambos
tienen un carácter muy temperamental, y Gauguin se cansa de Vincent. Van Gogh
tratará de suicidarse más adelante. Su convivencia se deteriora y acaba con el
famoso episodio de la oreja cortada de Van Gogh. Se sabe que Van Gogh tenía
problemas emocionales y que se cortó la oreja; pero no es tan seguro que fuese
por culpa de Gauguin. Anécdota que puede ser real o un mito.
Vida en Polinesia
Arruinado y enfermo, Gauguin se embarca en 1891 hacia la Polinesia, con el
dinero conseguido en una exposición en el Hotel Brouot, éxito alcanzado gracias
a las críticas favorables de Octave Mirbeau. Se establece en Tahití, tratando de huir de la civilización europea y de todo lo artificial y
convencional. Empieza también a redactar un relato autobiográfico
("Noa"). Sin embargo, una enfermedad en los ojos, la soledad y la falta
de dinero le obligan a regresar a Francia junto a su compañera javanesa Ana. En Francia recibe
la inesperada herencia de su tío Isidoro, y consigue vender unos pocos cuadros,
por lo que regresa ya de modo definitivo a Polinesia.
Las características esenciales de su pintura (en la que sigue usando grandes
superficies de colores vivos) no experimentan demasiados cambios. Su
primitivismo se atempera por la influencia de algunos pintores neoclásicos como Ingres o contemporáneos
como Puvis de Chavannes. Cuida especialmente la
expresividad de los colores, la búsqueda de la perspectiva y el uso de formas
plenas y voluminosas. Influido por el entorno tropical y la cultura polinesia,
anticipa al arte
abstracto: simplifica aún más las composiciones dando preponderancia al
color y a la idea que el color puede sugerir, su obra adquiere fuerza, lleva a
cabo esculturas en madera y pinta sus cuadros más bellos, en especial su obra
más importante, que hoy se encuentra en el Museum of Fine Arts de Boston:
"¿De
dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos?", que él mismo considera su
testamento pictórico.
En Tahití, conocerá a Tehura, que se convertirá en su modelo. Está muy
inspirado y pinta 70 lienzos en unos pocos meses. Pero tras algunos años de
felicidad en los que publica su autobiografía "Noa", problemas administrativos y
personales (su hija preferida Aline muere) le hunden. También tiene problemas de
salud: una herida en la pierna que no consigue curar desde 1894, una crisis de sífilis. Hacia los últimos años de su vida formó
pareja y tuvo un hijo, Émile con Pau'ura, una joven de las islas Marquesas, pero
también contrajo lepra. En 1897 intenta suicidarse, luego sobrevive prácticamente en
la miseria con una pequeña pensión que desde París le enviaba un marchante.
Decide entonces establecerse definitivamente en las Islas Marquesas para
volver a encontrar la inspiración. En 1901,
llega a Atuona (en la isla de Hiva-Oa), en las Islas Marquesas. Cree
estar en el paraíso. Pronto se dará cuenta de su error al conocer los abusos
cometidos por las autoridades y al tratar de defender a los indígenas. Se dedicó
a realizar esculturas "primitivas" (principalmente tallas y bajorrelieves en
madera). Débil, cansado de luchar, muere el 9 de mayo de 1903.
Mario Vargas
Llosa retrata a Paul Gauguin en su novela El paraíso en la otra
esquina, donde su cuenta su historia paralelamente a la de su abuela Flora Tristán. También
el escritor inglés, Somerset Maugham le dedica la novela La
luna y seis peniques.
La figura central en su
vida fue su hermano menor Theo, quien continua y
desinteresadamente le prestó apoyo financiero. La gran amistad entre ellos está
documentada en las numerosas cartas que se intercambiaron desde agosto de 1872. Para
Theo fueron unas 650 de sus 800 cartas conservadas; las otras son
correspondencia con amigos y familiares.
A pesar que desde muy joven tuvo inclinación hacia el dibujo, su primer
trabajo fue en una galería de arte. Más tarde se convirtió en
pastor y en 1879, a la edad de 26 años, se marchó como misionero a una región
minera de Bélgica, donde comenzó a dibujar a la gente de la comunidad local.
En
1885 pintó su primera gran obra Los comedores de patatas, en ese
momento su paleta se componía de tonos sombríos de tierra. La luz de colores
vivos por la que es conocido surgió en obras posteriores, cuando se trasladó al
sur de Francia consiguiendo su plenitud durante su estancia en Arles en 1888.
Sufrió frecuentes brotes de una enfermedad mental a lo largo de su vida, que le
llevó a producirse una herida de bala que acabó con su vida a la edad de 37
años. A pesar de que existe una tendencia generalizada a la especulación de
sobre la afectación que tuvo en su pintura su salud mental, el crítico de arte
Robert Hughes cree que
las obras del artista están ejecutadas con un completo control.
Henri Émile Benoît Matisse (31 de diciembre de 1869 - 3 de noviembre de 1954) fue un pintorfrancés conocido por su uso del color y por su uso original y fluido del dibujo. Como dibujante, grabador, escultor, pero principalmente como pintor, Matisse es
reconocido ampliamente como uno de los grandes artistas del siglo XX,
considerado junto con Pablo
Picasso uno de los más grandes artistas del siglo pasado. Al inicio de su
carrera se le identificó con el fauvismo y para los años 20 ya se había destacado por
su maestría en el lenguaje expresivo del color y del dibujo, la cual desplegó en
una inmensa producción que se extendió por más de medio siglo, y que consagró su
reputación como una de las figuras centrales del arte moderno. Durante su trayectoria supo conjugar
en sus obras la influencia de artistas como Van Gogh o Gauguin, con la de las
cerámicas persas, el arte africano o las telas moriscas.
Wassily Kandinsky nació en Moscú el 4 de diciembre de 1866, su familiahabía
sido repatriada de la Siberia Oriental. Su padre era un comerciante de té y su
madre, Lydia Ticheeva, era famosa por su belleza e inteligencia.
Desde muy joven Wassily va a destacar por su sensibilidad para percibir los colores;
intenso verde claro, blanco, rojo carmín, negro y amarillo ocre son algunos de
sus primeros recuerdos de un viaje a Italia que
hizo en 1869. Esta capacidad para proyectar los colores y las escenas le
acompaña toda su vida. Sus padres no tardarán en separarse, haciéndose cargo de él Elisabeth, la
hermana mayor de su madre, quien influyó notablemente en su educación, pues
solía leerlecuentos
rusos y alemanes, dando nacimiento a las raíces de su imaginación creativa y alamor
por el arte que ya no dejaría de crecer. A temprana edad aprendió a tocar piano y chelo; la influencia de la música en su
pintura sería luego muy importante, como veremos. Pese a sus inclinaciones artísticas, eligió estudiar Derecho y Economía
y siempre se interesó por los avances de la
ciencia. Obtenida su licenciatura logró un puesto de asistente en la Universidad
de Moscú, donde conocería a Anja Tschimiakin, su prima, con quien contrajo matrimonio en
1892, y con quien tuvo más bien una relación intelectual y de amistad. Según su propio testimonio fueron dos las razones, o las experiencias, que le
determinaron a abandonarlo todo para dedicarse a la tentación del arte. Por un
lado la exposición de
pintura impresionista francesa celebrada en Moscú, donde Wassily se encontró con
el cuadro de Monet Montón de Heno: Y de repente vi un cuadro por primera vez.
Aunque en el catálogo se decía que era un montón de heno, no pude reconocerlo,
lo que me resultó embarazoso. Además, pensaba que el artista no tenía derecho a
pintar de forma tan poco clara. No me parecía bien que faltara el objeto. Pero,
asombrado y confuso, me di cuenta de que el cuadro no sólo cautivaba, sino que
se grababa en la
memoria pasando ante mis ojos inesperadamente, lo tenía presente con todos
sus detalles. Todo me resultaba incomprensible y no fui capaz de adivinar las
consecuencias de aquella experiencia. Lo que me resultaba claro era la fuerza
insospechada de la paleta, desconocida hasta entonces para mí, que sobrepasaba
todos mis sueños. La pintura irradiaba fuerza y esplendor de cuento
de hadas. Inconscientemente se desacreditaba al objeto como elemento pictórico
inevitable. Por otro lado la ópera Lohengrin, de Wagner, fue lo que le conmovió
e impulsó su sensibilidad artística. Aquel desfile de sonidos y armonías le
hicieron experimentar la sinestesia: Podía ver todos aquellos colores en mi
mente, desfilaban ante mis ojos. Salvajes, maravillosas líneas se dibujaban ante
mí. La relación, para él real, entre la música y los colores, le cautivó de tal
manera que se convirtió en el punto de partida para sus teorías
artísticas y de su inmensa obra. MUNICH Tomada la decisión, se trasladó a Munich para estudiar arte, especialmente anatomía (en un
primer periodo), algo que no era muy de su agrado, por lo que más tarde alternó
estos estudios con los de dibujo
en la academia de Franz von Stuck, considerado entonces uno de los mejores
dibujantes deAlemania.
Tras un año abandona este taller para desarrollar su propio estilo artístico.
Han pasado cinco años. En 1901 fundó "Phalanx" una asociación de artistas y exposiciones, y desde
entonces comienza su prolífica obra que va exponiendo, junto con la de otros
jóvenes artistas, en "Phalanx". Pero en esta época aún no aflora lo que será el
estilo de sus futuras obras abstractas, aunque todo apunta a ello: sus cuadros
ya provocan en el espectador un efecto chocante, con fuertes contrastes
cromáticos y siempre en relación con los estados de ánimo. Sus pinceladas de
óleo son pastosas y de colores luminosos, los elementos figurativos están
simplificados y muy estilizados, mostrando un profundo deseo de abstracción, con
una composición muy estudiada, algo fundamental para Kandinsky. En esta época su obra obtuvo críticas negativas o el desprecio del silencio
en el ambiente
artístico de Munich; sólo su círculo de amigos y algún que otro artista
importante elogiaron su trabajo.
Dada la poca rentabilidad
de "Phalanx" decide, como presidente, la disolución del grupo.
Empezaba para Kandinsky el duro camino del reconocimiento. Se embarcó en
múltiples proyectos y
planes, y comenzó a tomar notas para su manuscrito sobre su concepción del
arte. En 1907 leyó
Abstracción e intuición, de Whilelm Worringer, lo que le confirmó en su idea de
que la pintura no necesita de la representación figurativa. En ese sentido
recopiló cualquier indicio que apoyara su visión del arte. Durante un tiempo
estudió esoterismo en laSociedad
Teosófica, fundada por Helena Petrovna Blavatsky. También se interesó por la
música y el teatro de
su tiempo. Munich, contra todo pronóstico y a pesar de las autoridades políticas, se
convirtió en centro de las vanguardias artísticas. Pese a eso sus cuadros
seguían sin ser comprendidos, incluso por algunos de sus amigos y compañeros de
la N.K.V.M. (Nueva Asociación de Artistas de Munich), recibiendo muy duras
críticas. Habiendo roto, él y otros artistas, con la N.K.V.M., se crea en 1911 la redacción
del "Jinete Azul", que se presenta con una variopinta exposición de varios
artistas de muy diferentes estilos que a nadie dejó indiferente. La idea era
mostrar las múltiples formas en las que el artista puede expresarse. Kandinsky y
su grupo pensaban en una curación a través del arte, un arte nuevo, limpio,
espiritual y trascendente que surgía de algunas expresiones artísticas. El
escrito de Sobre lo espiritual en el arte (que veremos en una segunda parte) se
presentó con esta exposición. En él se explica la función del
arte, según el artista, y cómo el
hombre está atrapado en una concepción materialista, positivista, del mundo
que lo angustia, por lo que debe adoptar una nueva actitud
espiritual que lo libere de ese yugo. En estas ideas se ve claramente la
influencia de su relación con las ciencias
ocultas, que no fue meramente tangencial; su obra se basa en esas convicciones
místicas. Su pintura fue pasando del expresionismo
a la abstracción; en esa época algunos de sus cuadros alcanzan un equilibrio,
una armonía cromática, que son como un descanso, como un desahogo; ejemplo de
ello son sus pinturas Improvisación quebrada (1914) y Pequeñas alegrías (1913).
También es una buena muestra la
Composición VI (1913), donde queda patente la intención del autor de mostrarnos
una "naturaleza
interior", una claraacción
interna del cuadro con un mensaje sobre el mundo perceptivo y sensorial; el tema
es el diluvio, la sensación de cambios importantes y la necesidad de prepararse
para un mundo diferente, quizás más espiritual. REGRESO A RUSIA Kandinsky tomaba su arte como un remedio para una época "enferma". Se inicia
entonces la Primera Guerra
Mundial. Kandinsky marchó a Rusia,
donde había mantenido buenas relaciones, pero sus ideas espirituales le
granjearon el rechazo de los grupos
vanguardistas rusos, que no admitían el arte como expresión romántica o de lo
sagrado. Aún así trabajó en Rusia hasta 1921 y participó en elproceso
político-cultural después de la revolución.
Trabajó en la pedagogía artística y la reforma de los museos. Nunca pudo
comulgar con el comunismo,
siempre se mantuvo políticamente neutral, por lo que se alegró cuando recibió
una invitación de la Bauhaus de Weimar. Kandinsy volvía a Alemania justo cuando
las cosas empezaban a pintar mal para los artistas independientes en Rusia. LA BAUHAUS Esta Escuela
Superior de Arte fue fundada por el arquitecto Walter Gropius. Su finalidad era
aunar las artes libres bajo un mismo techo, para que trabajen juntas creando una
unidad arquitectónica, pictórica y escultórica. Su manifiesto fundacional data
de 1919 y dice: ¡La metafinal
de la actividad creadora es la construcción!
Los arquitectos, pintores y escultores deben conocer y comprender la
multiplicidad de la configuración del edificio en su conjunto y en sus partes;
así podrán llenar sus obras por sí mismos con el espíritu arquitectónico que
habían perdido en el arte de salón. Formemos una nueva corporación sin ninguna
arrogancia divisoria que levante un muro de orgullo entre artesanos y artistas.
Nosotros queremos, planeamos y construimos juntos la estructura
del futuro que convertirá todo en creación única: arquitectura y
pintura y escultura... Kandinsky se encargaría del taller de pintura mural, pero más inmediatamente
impartió clases sobre la forma, rescatando sus inquietudes como pedagogo y su interés por el
estudio de los elementos pictóricos, que más tarde daría lugar a uno de sus
escritos: Punto y línea sobre el plano, que veremos más adelante. En esta época los cuadros de Kandinsky se vuelven más fríos y disonantes, sin
ese caos multicolor de Munich y Moscú; son más ordenados, lógicos y con
predominio de figuras geométricas, en especial el círculo como símbolo de la
perfección formal y lo cósmico. Él mismo diría: El círculo, del que tanto me
sirvo en los últimos tiempos, no puede ser calificado sino de romántico. El romanticismo es
de hecho profundo, hermoso, trascendente y nos hace felices. Es un trozo de
hielo en el que arde una llama. Si los hombres sólo pueden sentir hielo y no
llama, tanto peor para ellos... En 1925 la Bauhaus tiene que trasladarse a Dessau por motivos de
incompatibilidad política con los
partidos de derecha. Allí las condiciones de vida fueron mucho más favorables.
Pero entre 1928 y 1930 la Bauhaus sufrió una división ideológica, y se convirtió
en una escuela puramente de arquitectura que poco o nada tenía que ver con los
ideales de Kandinsky, razón por la cual se fue, distanciando, poco a poco de la
enseñanza.
La Bauhaus tuvo que cerrar años más tarde, víctima de una campaña difamatoria
urdida por el partido nacional socialista. Muchos profesores y estudiantes
emigraron a Estados Unidos,
y Kandinsky marchó a París antes de que las cosas se pusieran más feas. PARÍS Desde 1934 hasta 1944 su vida transcurrió en París. Pese a ser un pintor de
fama internacional, el ambiente artístico parisino lo recibió con total
frialdad, algo que lo decepcionó amargamente. Vivió retirado en un pequeño
apartamento donde se fraguaría la última transformación de su estilo pictórico.
Comienza a combinar colores hasta entonces no vistos, ofrece una impresión
graciosa de filigrana, con colores pálidos y en ocasiones transparentes, lejos
de aquellos contrastes a los que nos tenía acostumbrados, abandonando las formas
puramente geométricas. Él mismo describe en la revista
Konkretion (1935): Llamo "mirada interior" a la experiencia de sentir el alma
secreta de todas las cosas a través del microscopio o
telescopio. Esta mirada atraviesa la dura cáscara, la "forma" exterior, para
llegar al interior de las cosas y nos permite captar, con todos nuestros
sentidos, el "palpitar" interior de las mismas. Ni que decir tiene que en esta
época Kandinsky se inspiró en microorganismos, embriones, animales
marinos invertebrados, libros
de biología y en algunos
artistas parisinos. Intentaron etiquetarlo como surrealista "abstracto" y como pintor geométrico,
pero él, para desligarse de ello, habla del "arte concreto":
...la pintura abstracta crea, junto al mundo "real", un mundo nuevo que
exteriormente no tiene nada que ver con la "realidad". En su interior está
sujeto a las leyes del
cosmos. Al lado del mundo "natural", aparece uno "artístico", igualmente real y
concreto. De ahí que yo prefiera llamar arte "concreto" al arte "abstracto". En 1937 Kandinsky fue considerado en Alemania "artista degenerado". Pese a la
ocupación de París por los nazis permaneció en Francia.
En sus últimos cuadros no se refleja ese ambiente de frustraciones,
incertidumbres y peligros. Pese a su arteriosclerosis siguió pintando hasta el
final de su vida, el 13 de diciembre de 1944. KANDINSKY, EL ARTISTA Hasta aquí hemos visto un breve repaso a la biografía y evolución
de la obra de Kandinsky, pero no podemos dejar de lado al hombre,
al artista, a su calidad
humana. Y lo haremos de la mano de su segunda esposa Nina Kandinsky, a quien
conoció en 1916 y, prácticamente, ya no se separarían. Por esa época escribió en
una carta: Siento
como si mi antiguo sueño estuviera más cerca de la realidad. Ya sabes que mi
sueño era pintar un gran cuadro cuyo sentido fuera la alegría, la felicidad de
la vida o del universo. De
pronto siento que la armonía de los colores y las formas son la alegría de este
mundo. Una alumna de Kandinsky en la Bauhaus cuenta que la relación con sus alumnos
era muy respetuosa: Admirábamos su claridad y su lógica.
Era muy concreto. Todo aquello que decía era evidente e imposible de rebatir.
Otro alumno recuerda cómo eran las clases: Kandinsky sabía mucho. Sabía tanto
como un sabio oriental. Su saber universal enhistoria del arte, psicología, historia de
la cultura,
antropología,
etcétera, nos impresionaba. Estábamos fascinados de que estuviera tan convencido
de sus teorías. Amábamos, adorábamos y tomábamos ejemplo de su pintura, ya que
estábamos seguros de que
su trabajo nacía de un convencimiento sincero. Este mismo alumno dice también de
él: Me enseñó a hablar en el
lenguaje de la pintura y de la vista, de él aprendí las palabras para
escribir frases. Para mí Kandinsky era el profesor
que me indicaba que todas las formas en la pintura tienen su significado, y no
he aprendido a entenderlo por Kandinsky, sino que lo he comprobado por mí mismo
guiado por él. Ya hemos hablado de la importancia de la música en su obra; a este respecto,
y tras escuchar Lohengrin, comenta: Tuve que reconocer que el arte en general
era mucho más poderoso de lo que me parecía, que por otra parte, poseía y podía
desarrollar las mismas fuerzas que la música. Este pensamiento
nunca le abandonó y le llevó, tras diez años de anotaciones, a escribir Sobre lo
espiritual en el arte, que contiene todas sus ideas sobre la abstracción. Si la
música no utiliza sonidos reales de la naturaleza como el viento en las hojas,
el murmullo de los ríos o el canto de los pájaros, ¿por qué no habría de hacer
él lo mismo con la pintura? Música en los lienzos, vida interior expresada en
colores y formas. No hay fraude en
la obra de Kandinsky (no se puede decir lo mismo de todo el arte abstracto). Él
sentía los colores, disfrutaba de los cuadros. El siguiente comentario surge de
lo más profundo de su alma: En general el color es un medio para sensibilizar
directamente al espíritu. El color es la tecla. El ojo es el martillo. El alma
es el piano. El artista es la mano que, con una u otra tecla hace vibrar el
espíritu del ser humano. Esta "necesidad interior" es la clave de la obra de
Kandinsky, y el artista que emprende una obra sin esta "necesidad interior" sólo
obtendrá pobres resultados. Aquello que nace de una necesidad interior y
espiritual, es bonito. Es bello, si es hermoso interiormente. Podríamos definir a Kandinsky como una persona
afable, humilde, abierta, muy activo, meticuloso y tremendamente honrado en su
trabajo. Por más que no nos guste el arte abstracto, creo que alguien así se
merece, como poco, un esfuerzo de comprensión por nuestra parte, antes de
condenar su pintura. Algo ve él en el juego
de colores y formas que se nos escapa, quizás no lo entendamos porque nos falta
desarrollar más la sensibilidad para la pintura. No todo el mundo se emociona o
se arroba con el adagio de Albinoni, hace falta gusto y sensibilidad para la
música. ¿No estará sucediendo esto mismo con la obra de Kandinsky? Su pintura
entraña dificultades para ser entendida, para poder
sentirla y emocionarnos, pero quizás el esfuerzo merezca la pena. Si no
conseguimos ese mirar con "ojos libres", tal vez nos estemos perdiendo algo
bello, algo internamente hermoso. Bibliografía
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